Le jeu de tir à quatre pour la soirée

Par les auteurs de Sniper Elite, un jeu de tir en coopération qui assume tout : l'Europe des années 1940, des nazis morts-vivants et des têtes qui explosent au ralenti. Pas un chef-d'œuvre, mais l'un des meilleurs jeux du catalogue à lancer entre amis.

Le précédent volet s'achevait sur un Hitler zombie renvoyé en enfer. Ça ne suffit pas : les morts se relèvent, plus nombreux, et la brigade de survivants repart à travers l'Italie pour comprendre ce qui les anime. Le scénario est une série B parfaitement consciente de l'être, et c'est très bien comme ça.

Rebellion a repris le moteur de Sniper Elite, et avec lui sa signature : la balistique soignée et la caméra rayons X qui suit la balle jusqu'à l'impact. Sur des zombies, l'effet est plus grotesque que dérangeant. On tire à distance au fusil de précision, on achève au corps à corps, on enchaîne les éliminations spectaculaires.

Le jeu se joue jusqu'à quatre en ligne. Les armes s'améliorent avec des effets élémentaires (feu, électricité, énergie divine), chaque personnage choisit ses talents, et les niveaux sont conçus comme une suite d'arènes à tenir face à des vagues de plus en plus grandes — zombies blindés, kamikazes, chars possédés compris.

Seul, le jeu fonctionne mais tourne vite en rond. À plusieurs, c'est autre chose : on se répartit les rôles, on se couvre, on se relève, et les fins de chapitre deviennent de vrais moments de panique collective. Le mode Horde, en vagues infinies, prolonge les soirées.

Une douzaine d'heures de campagne, beaucoup plus pour tout débloquer. Comme Left 4 Dead à son époque, c'est le genre de jeu qu'on n'achète pas pour son histoire, mais qu'on garde installé parce que quelqu'un finit toujours par proposer « une petite partie ».

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Dernière chance

Yakuza: Like a Dragon quitte lui aussi le catalogue PS Plus le 20 octobre. Problème : c'est un jeu long. Voici ce qu'on peut raisonnablement en voir d'ici là, et pourquoi même quelques soirées valent le détour.

Ichiban Kasuga est un petit soldat d'une petite famille yakuza de Tokyo. Il accepte de purger dix-huit ans de prison pour un crime qu'il n'a pas commis, par loyauté envers son patron. À sa sortie, personne ne l'attend, son clan a disparu, et l'homme qu'il admirait le plus lui tire dessus. Il se réveille à Yokohama, sans un sou, entouré de sans-abri.

C'est le premier épisode de la série principale de Ryu Ga Gotoku Studio à abandonner la bagarre en temps réel pour le combat au tour par tour. Le jeu en fait une blague assumée : Ichiban, fan de Dragon Quest, voit le monde comme un jeu de rôle, et les voyous de Yokohama se transforment sous ses yeux en ennemis de RPG. Les métiers vont du garde du corps au musicien de rue, et les attaques puisent dans le décor, vélos et panneaux compris.

Autour de l'histoire principale, il y a tout ce qui fait la série : des dizaines d'histoires secondaires absurdes et souvent touchantes, des courses de karts, une entreprise à faire prospérer, des salles d'arcade avec de vrais jeux SEGA. Et sous l'humour, un vrai mélodrame sur la loyauté et la famille qu'on se choisit.

Soyons honnêtes : l'histoire seule demande une quarantaine d'heures, bien plus avec les activités. Il ne se termine pas en une semaine sans y passer toutes ses soirées. Mais les premiers chapitres forment un ensemble qui se suffit, et ils suffisent pour savoir si la série est faite pour vous.

Si c'est le cas, la bonne nouvelle est que la suite, Like a Dragon: Infinite Wealth, est au catalogue. Si vous avez déjà commencé Like a Dragon, c'est le moment de pousser jusqu'à la fin avant le départ.

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Arrivées PS Plus

Sony a annoncé les jeux qui rejoignent le catalogue PS Plus Extra et Premium en octobre 2026, dont Dino Crisis 2, Horizon Forbidden West et Tales of Arise – Beyond the Dawn Edition. Voici la liste complète, classée par note, avec la date d'arrivée de chacun.

Dino Crisis 2 · Note presse 86 · Histoire ~5.3 h

Horizon Forbidden West · Note presse 86 · Note joueurs 4.6/5 · Histoire ~28.7 h

Tales of Arise – Beyond the Dawn Edition · Note presse 85 · Note joueurs 4.6/5

The Midnight Walk · Note presse 79 · Note joueurs 4.7/5 · Histoire ~5.1 h

Mafia: The Old Country · Note presse 73 · Note joueurs 4.0/5 · Histoire ~12.3 h

RollerCoaster Tycoon 3 Complete Edition · Note presse 72 · Note joueurs 3.1/5 · Histoire ~20.5 h

Monster Energy Supercross 25 – The Official Video Game · Note joueurs 2.7/5

Mycopunk

Poppy Playtime: Chapter 1 · Note joueurs 4.5/5

Dernière chance

Le remake de Silent Hill 2 fait partie des jeux qui quittent le catalogue PS Plus le 20 octobre. C'est l'un des jeux les mieux notés de la liste des départs, et il se termine en un long week-end : si vous l'aviez mis de côté, c'est maintenant.

James Sunderland reçoit une lettre de sa femme Mary. Elle l'attend, écrit-elle, dans leur « endroit spécial », à Silent Hill. Le problème, c'est que Mary est morte depuis trois ans. James part quand même, et découvre une ville noyée dans le brouillard, désertée, où l'attend une femme qui ressemble trait pour trait à son épouse et dit s'appeler Maria.

Sorti en 2001 sur PS2, Silent Hill 2 est souvent cité comme le sommet de l'horreur psychologique. Le remake de Bloober Team, publié par Konami en 2024, en garde l'histoire, les personnages et les énigmes, mais passe à une caméra par-dessus l'épaule et refait entièrement les décors. Les appartements de Wood Side, l'hôpital de Brookhaven et la prison de Toluca sont plus grands, plus détaillés, et franchement plus oppressants.

Le jeu fait moins peur par ses monstres que par ce qu'il raconte. Chaque créature, chaque personnage croisé, et la silhouette au casque pyramidal qui poursuit James, renvoie à quelque chose qu'il refuse de regarder. La fin que l'on obtient dépend de la façon dont on a joué, sans que le jeu le dise : soigner James ou non, lire certaines lettres, rester près de Maria.

Comptez une quinzaine d'heures pour une première partie, un peu plus en fouillant chaque pièce. Le combat est volontairement lourd : on n'est pas dans Resident Evil, et fuir est souvent la meilleure option. Le son compte énormément, jouez au casque si vous le pouvez.

Une fois le jeu retiré, il faudra l'acheter pour y revenir. Si vous ne devez lancer qu'un seul jeu de la liste des départs avant le 20, c'est celui-là.

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Combien de temps pour le finir ?

Après deux épisodes dans les tunnels du métro de Moscou, la série de 4A Games remonte à la surface. Metro Exodus est un jeu de tir à la première personne qui se vit comme un voyage, et sa durée dépend beaucoup de la façon dont on le joue.

Nous sommes en 2036, plus de vingt ans après une guerre nucléaire. Artyom, héros des deux épisodes précédents, est persuadé qu'il existe une vie ailleurs qu'à Moscou. Avec sa femme Anna et une poignée de soldats, il s'empare d'une locomotive à vapeur, l'Aurora, et part vers l'est. Le jeu, tiré des romans de Dmitry Glukhovsky, couvre une année entière de ce voyage.

La grande nouveauté, ce sont les cartes ouvertes. La Volga sous la neige, un désert au bord de la mer Caspienne, une taïga en automne : chaque grande étape est une zone libre à explorer, entrecoupée de niveaux linéaires dans la pure tradition de la série. Les saisons passent, le cycle jour-nuit change les rencontres, et chaque retour au train est une respiration entre deux missions.

Le reste est fidèle à Metro : des filtres de masque à gaz à surveiller, une visière qu'il faut essuyer, des armes bricolées que l'on modifie sur un établi, et des munitions comptées. Le jeu observe aussi discrètement la façon dont on traite ceux qu'on croise : épargner, aider ou tuer pèse sur la fin.

Combien de temps faut-il ? Une quinzaine d'heures en suivant l'histoire, une vingtaine et plus en explorant les zones ouvertes, comme il se doit. Les complétionnistes, qui visent toutes les fins et tous les objets, dépassent la quarantaine. C'est l'un des rares jeux du genre où l'exploration ne ressemble pas à du remplissage.

Sur PS5, le jeu tourne dans sa version améliorée, avec éclairage en ray tracing, et l'atmosphère y gagne beaucoup. Un excellent choix pour qui a aimé les Stalker ou cherche un jeu de tir qui prend son temps.

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Monster Hunter, sans la chasse

Sorti d'abord sur 3DS, puis porté sur PS4 en 2024, Monster Hunter Stories prend l'univers de la série de Capcom et le retourne : ici, on ne traque pas les monstres, on les fait éclore et on combat à leurs côtés.

Le héros vient d'un village de riders, une communauté qui vit avec les monstres au lieu de les chasser. Quand une créature contaminée par le Fléau noir s'attaque au village, il part sur les routes pour comprendre d'où vient cette corruption qui rend les monstres fous.

Le principe tient de Pokémon : on visite des nids, on y dérobe des œufs, on les fait éclore pour obtenir des « Monsties » qui deviennent compagnons et montures. Chaque espèce a ses capacités d'exploration — sauter, nager, escalader — et ses talents en combat. Un rituel permet de transférer des gènes d'un monstre à l'autre pour composer des combinaisons sur mesure.

Les combats sont au tour par tour, une première dans la série, et reposent sur un pierre-feuille-ciseaux à trois attaques : puissance, vitesse, technique. Lire le type d'attaque qu'un ennemi s'apprête à lancer est la clé, et les grands monstres de la série changent de schéma en cours de combat. Simple à comprendre, plus subtil qu'il n'y paraît.

Le ton est celui d'un dessin animé, coloré et sans noirceur, ce qui en fait une très bonne porte d'entrée dans la série pour un public plus jeune ou pour qui trouve Monster Hunter trop rugueux. La version PS4 ajoute des voix japonaises et une galerie, sans toucher au jeu lui-même.

Comptez une trentaine d'heures pour l'histoire, bien plus pour compléter sa collection. La suite, Monster Hunter Stories 2: Wings of Ruin, plus ambitieuse et plus sombre, est elle aussi au catalogue.

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Le RPG PS1 dans l'ombre de Final Fantasy

Sorti au Japon fin 1996, quelques semaines avant Final Fantasy VII, Wild Arms a eu le malheur d'arriver au mauvais moment. Les quatre épisodes PlayStation sont au Catalogue des Classiques ; le premier reste le meilleur point de départ.

Filgaia est un monde en train de se dessécher, quelque part entre la fantasy médiévale et le western. On y croise des châteaux et des démons, mais aussi des saloons, des chasseurs de trésors et des armes à feu oubliées, les ARMs, que la population regarde avec méfiance. Le ton est donné dès l'introduction, portée par un thème sifflé à la guitare devenu l'emblème de la série.

Trois héros, trois histoires qui se rejoignent : Rudy, un garçon taciturne qui manie un ARM ; Jack, chasseur de trésors accompagné d'une souris capable de se faufiler partout ; Cecilia, princesse et apprentie magicienne. Après des prologues séparés, ils se retrouvent face à un retour des démons que l'on croyait vaincus depuis mille ans.

Ce qui distingue le jeu de ses contemporains, ce sont ses donjons. Chaque personnage dispose d'outils — bombes, grappin, baguette — qui servent à résoudre des énigmes d'environnement : allumer une mèche, ramener un objet, franchir un gouffre. On est plus près de Zelda que d'un enchaînement de couloirs et de combats.

Les combats, au tour par tour, passent eux en 3D avec des monstres en polygones, quand l'exploration reste en sprites 2D. Le contraste a vieilli, mais il a un charme d'époque. La traduction d'origine, en anglais, est parfois maladroite ; l'histoire tient pourtant bien, avec une vraie mélancolie.

Une trentaine d'heures, avec un rythme de croisière qui laisse le temps de s'attacher au trio. Les épisodes 2, 3 et 4, tous au Catalogue des Classiques, attendent à la suite.

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Le classique PS2 culte et impitoyable

Conçu par Keiichiro Toyama, le créateur du premier Silent Hill, Forbidden Siren est l'un des jeux d'horreur les plus singuliers de la PS2. Et l'un des plus durs. Il est au Catalogue des Classiques.

Hanuda est un village de montagne japonais isolé. Une nuit, une sirène retentit, la mer environnante devient rouge et les habitants se changent en shibitos, des êtres ni morts ni vivants qui continuent de vaquer à leurs occupations — et de tuer quiconque n'est pas comme eux. Le jeu suit une dizaine de survivants pendant les trois jours qui suivent.

Sa mécanique centrale s'appelle le « sightjack » : en se concentrant, le personnage capte ce que voient les shibitos alentour. On observe leur ronde, on repère par leurs yeux où ils regardent, puis on se faufile. C'est une idée d'une grande force, parce qu'elle fait de l'ennemi la principale source d'information, et donc de tension.

Le récit est éclaté. Une grille relie les personnages et les heures ; terminer un épisode avec un objectif secondaire en débloque un autre, ailleurs dans le temps. Il faut souvent revenir sur une scène déjà jouée pour y accomplir autre chose, et reconstituer soi-même l'histoire du village.

Il faut le dire franchement : c'est un jeu exigeant, parfois opaque. Beaucoup de personnages sont désarmés, les objectifs secondaires sont rarement explicites, et l'échec renvoie au début de l'épisode. Les visages des personnages, photographiés sur de vrais acteurs, donnent au tout une étrangeté que le temps n'a pas effacée.

Peu de jeux ont aussi bien vieilli dans leur étrangeté, et peu ont été aussi peu joués en Europe. Comptez une vingtaine d'heures, et gardez une solution à portée de main sans honte. Toyama a depuis signé Gravity Rush, puis Slitterhead en 2024.

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Le petit jeu Sony à rattraper

Un adolescent harcelé, une ville portuaire abandonnée et un pinceau magique. Concrete Genie, du petit studio Sony Pixelopus, est passé inaperçu en 2019. C'est l'un des jeux les plus doux du catalogue.

Ash vit à Denska, une ancienne ville de pêcheurs que la pollution a vidée de ses habitants. Il passe son temps à dessiner dans un carnet que des garçons du quartier lui arrachent et éparpillent. En courant après les pages, il découvre un pinceau capable de donner vie à ce qu'il peint sur les murs.

Tout le jeu tient dans ce geste. On peint au mouvement de la manette, en choisissant des motifs tirés de son carnet : des arbres, des étoiles, des aurores, des feux de camp. Les murs s'animent, la lumière revient dans les rues, et chaque quartier se rallume guirlande par guirlande. Il n'y a ni score ni jugement : on peint ce qu'on veut, où on veut.

Certaines peintures prennent vie pour de bon. Les génies sont de petites créatures que l'on compose soi-même, qui suivent Ash sur les murs et l'aident à franchir des obstacles en échange de dessins. Ils sont le cœur affectif du jeu, et sa meilleure trouvaille.

Le dernier tiers bascule vers des combats plus classiques, moins réussis que le reste. Mais le jeu ne perd jamais son sujet : les harceleurs ont eux aussi leur histoire, et le jeu prend le temps de la raconter sans en faire une leçon.

Cinq heures environ, un peu plus pour tout rallumer. Pixelopus a été fermé par Sony en 2024 : Concrete Genie est l'un des deux seuls jeux du studio, et la meilleure raison de se souvenir de lui.

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Le classique PS1 qui vous traque

En 1999, Capcom ajoutait à la formule Resident Evil un ennemi qu'on ne peut pas semer. L'épisode PS1 est au Catalogue des Classiques, et il contient encore des choses que sa version de 2020 a laissées de côté.

Raccoon City tombe. Jill Valentine, rescapée du manoir du premier épisode, tente de quitter une ville envahie par le virus d'Umbrella. L'histoire commence quelques heures avant celle de Resident Evil 2 et se termine après, ce qui en fait le chaînon qui relie les deux.

Sa signature, c'est le Nemesis : une créature conçue pour éliminer les membres des S.T.A.R.S., qui surgit à des moments imprévus, enfonce les portes et poursuit Jill d'une pièce à l'autre. On peut fuir ou le combattre pour récupérer des objets ; dans les deux cas, la peur change de nature. Ce n'est plus l'angoisse du couloir suivant, c'est celle d'être suivi.

Le jeu introduit aussi des choix à chaud. À certains moments, l'écran se fige et propose deux options — sauter par la fenêtre ou affronter, fuir par l'égout ou rester — qui modifient la scène suivante, voire la fin. S'y ajoutent une esquive et un système de fabrication de munitions à partir de poudres à mélanger.

Le remake de 2020 a fait le choix d'une aventure plus resserrée et a retiré plusieurs lieux, dont la tour de l'horloge, ainsi que ces choix. Le mode bonus « Mercenaries », débloqué après la fin, est lui aussi propre à cette version. Pour qui a joué au remake, l'original n'est donc pas une redite.

Caméras fixes, maniabilité « tank » : il faut une petite heure pour s'y refaire. Ensuite, c'est un jeu court, autour de six ou sept heures, conçu pour être rejoué, avec des objets et des énigmes qui varient d'une partie à l'autre.

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Le reboot qui a tout relancé

En 2013, Crystal Dynamics repartait de zéro : plus d'aventurière invincible, une jeune archéologue naufragée qui apprend à survivre. La Definitive Edition, sortie un an plus tard sur PS4, reste la meilleure façon de découvrir ce nouveau départ.

L'Endurance fait naufrage au large du Japon, dans le triangle du Dragon. Lara Croft, tout juste sortie de ses études, échoue sur l'île de Yamatai avec le reste de l'équipage. L'île est tenue par une secte qui retient ses visiteurs, et quelque chose de plus ancien empêche quiconque d'en repartir.

Le jeu raconte comment Lara devient celle qu'on connaît. Les premières heures la montrent blessée, affamée, terrifiée par son premier meurtre ; l'arc, trouvé au début, devient vite son arme de prédilection. La violence est brutale et la mise en scène ne l'édulcore pas, ce qui a valu au jeu quelques débats à sa sortie.

Côté jeu, c'est une aventure d'action en couloirs larges, ponctuée de zones ouvertes que l'on peut revisiter. Les feux de camp servent à améliorer compétences et armes, les outils récupérés (piolet, cordes, explosifs) ouvrent de nouveaux passages. Les tombeaux, eux, sont optionnels et courts : de petites énigmes physiques qui rappellent l'origine de la série.

La Definitive Edition ajoute à l'original tous les contenus téléchargeables et une refonte graphique pensée pour la PS4, avec un visage de Lara retravaillé. Un mode multijoueur en ligne figure aussi au menu ; c'est un à-côté, la campagne est la raison d'y jouer.

Une douzaine d'heures pour l'histoire, un peu plus en fouillant l'île. C'est aussi la porte d'entrée naturelle d'une trilogie que le catalogue propose en entier, Rise of the Tomb Raider et Shadow of the Tomb Raider à la suite, et, côté Classiques, les épisodes Legend et Anniversary de l'époque PS2.

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Toujours dans votre bibliothèque

Offert en décembre 2025 aux abonnés Essential, Neon White n'est pas un jeu de tir comme les autres : ses niveaux durent trente secondes et le but n'est pas de les finir, c'est de les finir plus vite. Si vous l'avez récupéré pour les fêtes sans le lancer, voici pourquoi il mérite mieux.

Vous êtes White, un assassin tiré de l'enfer pour participer à un concours au paradis : celui qui extermine les démons le plus vite gagne le droit d'y rester. Chaque niveau est un parcours court, à la première personne, avec un chrono, et une seule question : comment couper.

La trouvaille, ce sont les cartes d'âme. Chaque arme ramassée est une carte : utilisée, elle tire ; défaussée, elle déclenche un mouvement — un double saut, une ruée, une bombe qui propulse. Choisir entre tirer et se déplacer, en une fraction de seconde, est toute la grammaire du jeu. Le niveau parfait est celui où l'on ne tire presque jamais.

On finit un parcours en une minute, on obtient une médaille, et le jeu montre alors un indice : un raccourci existe. On recommence. Puis on recommence pour battre son propre temps, puis celui d'un ami. Un niveau de trente secondes peut retenir une demi-heure, et c'est le genre d'obsession qu'on ne s'explique pas de l'extérieur.

Entre les missions, le jeu prend la forme d'un roman visuel : les autres assassins vous semblent familiers, et l'histoire de ce que vous étiez avant l'enfer se dévoile au fil des cadeaux qu'on leur apporte. C'est bavard, parfois trop, mais ça se saute d'une touche.

Une dizaine d'heures pour voir la fin, le double pour les médailles, l'infini pour les classements. Il est dans votre bibliothèque depuis les fêtes : c'est le jeu idéal pour vingt minutes de pause, et le plus difficile à quitter au bout de vingt minutes.

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Toujours dans votre bibliothèque

Offert en août 2023 aux abonnés Essential, Death's Door est un jeu d'action en vue de dessus où vous incarnez un corbeau faucheur d'âmes, employé de bureau. C'est drôle, c'est dur, c'est court, et il a probablement pris la poussière dans votre bibliothèque depuis deux ans.

Le point de départ est une administration de l'au-delà : les corbeaux y sont des fonctionnaires, chacun affecté à des âmes à récolter, avec pointeuse et supérieur hiérarchique. Le jour où l'âme qui vous est assignée est volée, vous devez la poursuivre dans un monde où la mort ne passe plus — et où tout ce qui aurait dû mourir a continué à grossir.

Le ton est là : un humour noir et pince-sans-rire, servi par des personnages secondaires mémorables, et une mélancolie qui s'installe sans qu'on la voie venir. Le jeu parle de fin de vie et de ce qu'on fait du temps qui reste, mais il le fait avec un corbeau qui râle contre sa hiérarchie.

Le combat est précis et sans gras : une épée, une roulade, un arc, quelques sorts. Les erreurs coûtent cher, les boss sont de vraies épreuves, mais chaque zone se lit clairement et les points de passage sont bien placés. Le studio avait déjà signé Titan Souls, et on retrouve ce goût pour l'affrontement lisible et exigeant.

Le monde est un ensemble de niveaux reliés par des portes, chacun avec son ambiance et son tyran à détrôner, et il regorge de raccourcis et de recoins cachés qu'on débloque en revenant avec une capacité nouvelle. Ce n'est pas un monde ouvert, c'est mieux : un monde dense.

Une dizaine d'heures suffisent pour en voir la fin, un peu plus pour en comprendre la vraie fin. Si vous étiez abonné à l'été 2023, il vous attend. C'est un jeu qui se lance sans engagement et qu'on ne lâche plus une fois la première porte franchie.

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Toujours dans votre bibliothèque

Offert en mai 2024 aux abonnés Essential, Tunic ressemble à un Zelda de poche avec un renard. C'est un déguisement : sous l'apparence douce se cache l'un des jeux les plus retors et les plus généreux en secrets du PS Plus.

Vous vous réveillez sur une plage, sans arme, sans indication, et le jeu vous parle dans une langue inventée que vous ne savez pas lire. Les seuls repères sont des pages de manuel éparpillées dans le monde — un manuel d'instructions à l'ancienne, illustré, avec ses cartes annotées et ses conseils griffonnés en marge. Chaque page trouvée explique une mécanique que vous utilisiez peut-être déjà sans le savoir.

Ce manuel est la grande idée du jeu. Il ne se contente pas d'expliquer : il cache des choses. Un chemin dessiné là où l'écran n'en montre pas, un symbole répété qui finit par prendre sens, une page qu'on relit trois fois avant de comprendre qu'elle décrit un code. La seconde moitié de l'aventure consiste moins à combattre qu'à relire.

Les combats, eux, ne plaisantent pas. Parade, esquive, endurance : le jeu emprunte aux Souls leur exigence, et certains boss demanderont des essais répétés. Il existe des options d'accessibilité pour qui veut seulement explorer, sans honte — les énigmes valent le déplacement à elles seules.

Le monde est construit en vue isométrique, et cette perspective sert le gameplay : des passages entiers sont dissimulés derrière un mur ou sous un angle, visibles seulement quand on sait qu'ils existent. Revenir dans une zone avec un nouvel indice y révèle presque toujours quelque chose.

Comptez une bonne dizaine d'heures pour le finir, bien plus pour percer ses derniers secrets — et il en a de très profonds. Si vous l'avez récupéré au printemps 2024, il est encore là. C'est le jeu à lancer quand on a envie de sortir un carnet et un crayon.

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Offert en octobre 2025 aux abonnés Essential, Cocoon est passé un peu inaperçu entre deux gros noms. C'est pourtant le jeu de réflexion le plus élégant de ces dernières années, signé par le concepteur du gameplay de Limbo et Inside.

Vous êtes un petit insecte qui porte une sphère sur son dos. Cette sphère contient un monde entier. Vous pouvez y entrer, en ressortir, et — c'est là que le jeu bascule — porter une sphère à l'intérieur d'une autre. Toute la construction repose sur cet emboîtement de mondes, et sur ce qu'il devient possible de faire en les réarrangeant.

Il n'y a pas un mot de texte, pas un tutoriel, pas un menu de compétences. Le jeu a un seul bouton d'action, et chaque énigme s'explique par l'espace lui-même : une porte, un mécanisme, une sphère qui n'est pas au bon endroit. Vous comprenez ce qu'on attend de vous en regardant, jamais en lisant.

Chaque sphère finit par acquérir un pouvoir propre — révéler des chemins invisibles, tirer un projectile — qui ne fonctionne que lorsqu'on la porte dans un autre monde. Les dernières énigmes demandent de tenir dans sa tête trois niveaux d'imbrication à la fois, et le moment où l'on y arrive est de ceux qu'on n'oublie pas.

Les combats de gardiens ponctuent l'aventure. Ils sont rares, courts, et chacun introduit une mécanique nouvelle plutôt qu'un test de réflexes : on les résout plus qu'on ne les bat. Le jeu ne punit presque jamais ; il attend que vous compreniez.

Cinq heures, sans temps mort, sans remplissage. C'est exactement la durée d'un week-end tranquille, et c'est la meilleure raison de le sortir de la bibliothèque où il attend depuis l'automne.

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Toujours dans votre bibliothèque

Offert aux abonnés Essential en mai 2025, Balatro est le genre de jeu qu'on récupère par réflexe et qu'on oublie dans sa bibliothèque. C'est une erreur : c'est l'un des jeux les mieux notés jamais passés par le PS Plus, et il tient sur une seule idée.

L'idée : jouer des mains de poker — paire, brelan, suite, couleur — pour marquer des points, et franchir des paliers de score de plus en plus hauts. Aucun adversaire, aucun bluff. Seulement une main de cartes, un objectif chiffré, et le droit de défausser ce qui ne sert pas.

Tout se joue dans les Jokers, des cartes achetées entre deux manches qui tordent les règles : multiplier le score d'une couleur, compter une carte deux fois, gagner de l'argent pour chaque paire. Il y en a cent cinquante, et leurs interactions font que deux parties ne se ressemblent jamais. Un Joker qui ne valait rien devient la clé d'une partie entière une fois le bon voisin trouvé.

Une partie dure une demi-heure, gagnée ou perdue, et chaque nouvelle carte débloquée donne envie d'en relancer une. C'est une boucle de roguelike dans sa forme la plus pure, sans la moindre lecture de règles préalable : si vous savez ce qu'est une paire, vous savez jouer.

Le jeu est l'œuvre d'un développeur seul, et cela se sent dans sa cohérence : une esthétique de télévision cathodique, une bande-son synthétique qui tourne en boucle sans jamais lasser, et une interface qui explique tout au survol. Rien n'est là par décoration.

La durée « histoire principale » ne veut pas dire grand-chose ici : elle mesure une première victoire. Le vrai jeu commence après, avec les paquets alternatifs, les niveaux de difficulté et les défis. Si vous l'avez récupéré au printemps 2025, il est encore dans votre bibliothèque. Lancez-le un soir de semaine : il ne vous rendra pas avant minuit.

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Le JRPG le plus dépaysant

La série Yakuza a quitté le combat en temps réel pour le tour par tour, et quitté le Japon pour Honolulu. Le résultat est l'un des plus gros JRPG du catalogue.

Deux héros se croisent : Ichiban Kasuga, nouveau protagoniste optimiste jusqu'à l'absurde, et Kazuma Kiryu, la figure historique de la série. L'aventure s'étend de part et d'autre du Pacifique, entre le Japon et Hawaï — un dépaysement inédit pour une série qui n'avait jamais réellement quitté ses quartiers de Tokyo et d'Osaka.

Le changement le plus important concerne le combat. Là où la série reposait sur la baston en temps réel, cet épisode, comme le précédent, fonctionne au tour par tour avec des classes, des compétences et des faiblesses élémentaires. Ce choix, initialement présenté comme une blague interne — le héros est un fan de Dragon Quest qui imagine ses combats de rue comme un RPG —, s'est révélé un très bon système.

Ce qui n'a pas changé, c'est l'écart de ton, la marque de la série. La trame principale est un drame criminel adulte, avec des trahisons et des scènes de violence sèche. À côté, vous gérez une île, collectez des créatures, passez un permis, faites du karaoké et participez à un jeu de rencontre. Les deux registres cohabitent sans transition, et c'est volontaire.

Le volume de contenu secondaire est considérable, au point que certains joueurs y passent plus de temps que dans l'intrigue. Ce n'est pas du remplissage générique : la plupart de ces activités sont des mini-jeux complets avec leur propre progression.

Comptez une soixantaine d'heures pour la trame principale, et sans exagération le double en prenant le temps. Il se joue sans connaître les épisodes précédents, même si beaucoup de retrouvailles vous échapperont.

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Jeux du mois PS Plus

Les jeux du mois PS Plus Essential d'octobre 2026 sont connus : Hunt: Showdown 1896, F1 25, Earth Defense Force: World Brothers 2 et Earth Defense Force: World Brothers 2. Ils sont à récupérer à partir du 6 octobre 2026 ; voici ce qu'ils valent.

Hunt: Showdown 1896 · Note presse 81 · Note joueurs 4.2/5 · Histoire ~55.8 h

F1® 25 · Note presse 80 · Note joueurs 4.5/5 · Histoire ~6.1 h

EARTH DEFENSE FORCE: WORLD BROTHERS 2 · Note presse 77 · Note joueurs 4.3/5

EARTH DEFENSE FORCE:WORLD BROTHERS · Note presse 74 · Note joueurs 4.7/5

Le meilleur jeu à faire en famille

« C'est une belle journée au village, et vous êtes une oie abominable. » Le jeu tient exactement cette promesse, en trois heures, et c'est l'un des plus accessibles du catalogue.

Vous êtes une oie lâchée dans un village anglais qui ne vous a rien demandé. Le jeu se décrit comme un bac à sable d'infiltration burlesque : vous traversez les jardins, la rue commerçante et la place du village pour organiser des farces, voler des chapeaux, cacarder beaucoup et gâcher la journée de tout le monde.

La structure est celle d'une liste de bêtises. Chaque zone propose une série d'objectifs notés sur un carnet — faire porter un chapeau à un buste, obliger un homme à s'acheter ses propres affaires, faire tomber quelqu'un dans le lac. Il n'y a jamais de solution unique : on tâtonne, on observe les habitudes des habitants, on tire un objet au mauvais moment.

Les commandes sont volontairement réduites : courir, baisser la tête, attraper un objet avec le bec, et un bouton dédié au cacardement. Ce dernier ne sert souvent à rien d'utile, et c'est précisément pourquoi on l'utilise tout le temps.

Le soin porté à la mise en scène fait le reste. Le village est dessiné en aplats de couleurs, dans un style presque architectural, et le piano qui accompagne l'action réagit à vos actions — il s'emballe quand on vous poursuit, s'interrompt quand vous vous immobilisez. Ce détail transforme chaque mauvais coup en petit numéro comique.

Trois heures pour la liste principale. C'est le titre que l'on met entre les mains de quelqu'un qui ne joue pas : aucune notion préalable n'est requise, et l'objectif est immédiatement compréhensible.

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Le meilleur jeu en coopération

Deux jeux complets réunis, des centaines de niveaux, et un principe très simple : préparer des plats à plusieurs, dans des cuisines conçues pour rendre la chose impossible.

Cette édition définitive rassemble Overcooked!, Overcooked! 2 et l'intégralité de leurs contenus additionnels, remis à niveau en 4K, avec pour la première fois un multijoueur en ligne intégré aux deux jeux.

Le principe tient en une phrase : des commandes arrivent, vous avez un temps limité, il faut découper, cuire, assembler, servir et laver les assiettes. Chaque étape est triviale isolément. La difficulté vient entièrement de la coordination — qui coupe, qui sert, qui va chercher l'assiette propre pendant que le riz brûle.

Le vrai adversaire est la cuisine elle-même. Les niveaux sont conçus contre vous : plans de travail séparés par un gouffre, tapis roulants qui emportent les ingrédients, cuisine posée sur deux camions qui s'écartent, sol glissant, rats qui volent la nourriture. Le jeu ne cesse d'inventer des façons de casser l'organisation que vous venez de trouver.

Il en résulte un jeu qui produit de la communication forcée. On crie, on se répartit les tâches, on désigne des responsables, et on recommence. C'est probablement le titre du catalogue qui fonctionne le mieux à quatre sur un canapé — et le plus sûr moyen de découvrir comment vos proches réagissent sous pression.

Comptez une douzaine d'heures pour parcourir les deux campagnes, davantage pour viser les trois étoiles partout. Jouable seul, mais ce n'est franchement pas le sujet.

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Départs PS Plus

SILENT HILL 2, Yakuza: Like a Dragon et Gloomhaven Mercenaries Edition font partie des jeux qui quittent le PS Plus Extra et Premium le 20 octobre 2026. Voici la liste complète, classée par note, avec la durée de chaque jeu pour savoir ce que vous avez encore le temps de finir.

SILENT HILL 2 · Note presse 86 · Note joueurs 4.8/5 · Histoire ~16.1 h

Yakuza: Like a Dragon · Note presse 85 · Note joueurs 4.5/5 · Histoire ~46.1 h

Gloomhaven Mercenaries Edition · Note presse 82 · Note joueurs 3.0/5

Death Squared · Note presse 77 · Note joueurs 4.1/5 · Histoire ~6.1 h

Jurassic World Evolution 2 · Note presse 76 · Note joueurs 4.4/5 · Histoire ~6 h

Lake · Note presse 73 · Note joueurs 3.8/5 · Histoire ~6.1 h

Harvest Moon®: Light of Hope Special Edition · Note presse 62 · Note joueurs 4.1/5

Rogue Lords · Note joueurs 3.4/5 · Histoire ~25 h

Le jeu le plus court, et le plus drôle

Un jeu qui ne dure pas deux heures et n'a aucune ambition d'en durer davantage. Il ne veut qu'une chose : vous faire rire, et il y parvient mieux que n'importe quoi d'autre au catalogue.

Vous êtes un commercial de passage à Barnsworth, une petite ville du nord de l'Angleterre. En attendant votre rendez-vous, vous faites le tour du bourg et rencontrez les habitants, qui vous confient une série de petits travaux de plus en plus étranges.

Le jeu se décrit lui-même comme un slapformer : un jeu de plateforme où l'essentiel de l'interaction consiste à frapper les choses. Vous pouvez sauter, et vous pouvez donner une claque. C'est tout. Presque tous les décors réagissent à cette claque, souvent de façon disproportionnée, et la progression consiste à découvrir ce qui se casse.

Toute sa valeur réside dans l'écriture et le dessin. L'humour est spécifiquement britannique du nord — absurde, déclamé avec un accent épais, appuyé sur un sens du non-sens qui refuse d'expliquer quoi que ce soit. Un boucher aux ambitions démesurées, un poissonnier en crise, une tarte d'une taille problématique. Rien n'est justifié, et c'est le propos.

Graphiquement, c'est un dessin animé déformé, aux personnages étirés et aux couleurs saturées, animé avec une énergie qui ne faiblit pas. Le travail sonore est aussi remarquable : chaque objet frappé a son bruit, et la partition se nourrit de vos bêtises.

Deux heures, éventuellement trois si vous cherchez tout. C'est court, c'est assumé, et c'est exactement le type de jeu qu'un abonnement permet d'essayer sans réfléchir — ce qu'on ne ferait probablement pas en l'achetant.

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Le meilleur jeu court du catalogue

Tetris est sorti en 1984 et n'avait, en principe, plus rien à prouver. Celui-ci trouve quand même quelque chose à ajouter, et c'est l'une des meilleures notes du catalogue.

Le jeu vient de Tetsuya Mizuguchi, à qui l'on doit Rez et Lumines — des titres construits sur la même obsession : faire que l'image et le son répondent au geste du joueur, jusqu'à ce que jouer ressemble à jouer de la musique.

Ici, chaque rotation de pièce produit une note. Chaque ligne complétée fait progresser un morceau. Le décor derrière la grille réagit, se transforme, change de thème à mesure que vous avancez — un fond marin, un désert, une nappe d'étoiles. La boucle mécanique de Tetris est inchangée ; c'est son enveloppe sensorielle qui est refaite entièrement.

L'ajout mécanique s'appelle la Zone : une réserve qui, une fois déclenchée, arrête le temps et vous laisse empiler des pièces sur des lignes déjà complètes avant de les effacer d'un coup. C'est à la fois un filet de sécurité quand la grille se remplit et un outil de score pour ceux qui la maîtrisent. Bien utilisée, elle inverse une partie perdue.

Le titre Connected désigne l'extension multijoueur : un mode coopératif où trois joueurs se partagent une même grille contre un adversaire contrôlé par le jeu, et des modes compétitifs en ligne comme en local. La coopération sur une grille commune est une idée que Tetris n'avait jamais explorée.

Trois heures suffisent pour parcourir le mode Voyage. C'est le genre de jeu qu'on garde installé des mois, pour vingt minutes le soir — et qui justifie qu'on ne juge pas un jeu à sa durée.

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Le jeu de plateforme le plus généreux

Un jeu de plateforme en deux dimensions qui n'arrête jamais d'ajouter : des niveaux, des idées, des mondes, et des tableaux musicaux qui sont à eux seuls une raison d'y jouer.

Rayman Legends est le cinquième épisode principal de la série et la suite directe de Rayman Origins. Un siècle après les événements du précédent, les cauchemars des Rêveurs de Bulles se sont répandus ; Rayman et ses amis partent y remédier. Le prétexte narratif est mince, et personne ne s'en cache.

Ce qui compte est la facture. L'animation est dessinée à la main, image par image, et reste l'une des plus belles du médium — les personnages ont un poids, des élans, des micro-expressions que la 3D reproduit rarement. Le moteur maison du studio a été conçu pour cela.

La générosité est le principe directeur. Le jeu comporte des dizaines de niveaux répartis en mondes aux identités très marquées — une forêt, un monde aquatique, un univers de cuisine médiévale —, auxquels s'ajoutent la quasi-totalité des niveaux de Rayman Origins, débloquables. On n'atteint jamais le fond.

Et il y a les niveaux musicaux, placés en fin de chaque monde. Le tableau se synchronise sur un morceau : chaque saut, chaque coup, chaque plateforme tombe sur le rythme. Ce sont huit minutes de jeu qui expliquent à elles seules pourquoi ce titre est cité chaque fois qu'on parle du meilleur jeu de plateforme 2D moderne.

Comptez une dizaine d'heures pour la trame principale, beaucoup plus pour tout débloquer. Il se joue à plusieurs en local, et c'est là qu'il devient franchement chaotique.

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Le meilleur jeu de stratégie du catalogue

Un jeu de tactique au tour par tour où l'échec est permanent et où les personnages n'ont pas de scénario — seulement le nom que vous leur avez donné. C'est là que réside tout son pouvoir.

La Terre est passée sous contrôle extraterrestre. L'ordre imposé se présente comme une ère de prospérité et de sécurité ; en périphérie des grandes villes, certains y voient une dictature. XCOM renaît comme organisation de résistance, opérant depuis un vaisseau alien détourné, l'Avenger.

Ce renversement change la nature du jeu par rapport à son prédécesseur. Vous n'êtes plus l'armée défendant la planète mais une guérilla : la plupart des missions commencent en infiltration, avec un compte à rebours, et attendre passivement est désormais une façon de perdre. Le jeu vous pousse en avant, ce qui le rend nettement plus nerveux.

Le cœur reste la tactique au tour par tour : deux actions par soldat, des couverts partiels ou totaux, des pourcentages de réussite affichés. Et des tirs à 85 % qui échouent, ce qui a fait la réputation du jeu autant que sa difficulté.

Mais ce que XCOM réussit mieux que quiconque tient à une idée simple : vos soldats sont anonymes, renommables, et meurent définitivement. Vous donnez à l'un le prénom d'un ami, il survit à six missions, gagne des grades, devient votre meilleur tireur — puis tombe sur une erreur de placement. Le jeu ne l'a pas scénarisé : c'est vous qui avez écrit cette histoire, et c'est pour cela qu'elle compte.

Comptez une trentaine d'heures pour une campagne, et sachez qu'une première partie se perd souvent. La gestion de base — recherche, recrutement, arbitrages entre régions — occupe autant que les combats.

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Le meilleur jeu de course du catalogue

Trois jeux réunis en un, des vaisseaux antigravitationnels, aucune concession à la simulation. C'est la meilleure note de course du catalogue, et probablement la plus exigeante.

La compilation rassemble WipEout HD, son extension Fury et WipEout 2048, refondus pour PS4. Ce n'est pas un simple portage : les textures ont été entièrement retravaillées, au point que l'on peut lire pour la première fois les inscriptions sur les coques des vaisseaux.

WipEout n'a rien d'un jeu de course automobile. Les vaisseaux flottent, ne freinent presque pas, et la piste se cabre, s'incline, se retourne. La conduite repose sur deux gestes : les aérofreins, qui permettent de pivoter en virage sans perdre de vitesse, et l'inclinaison, qui gère les changements d'altitude. Les maîtriser est la condition d'accès au jeu ; sans eux, on percute des murs.

S'y ajoutent les armes — mines, missiles, boucliers — mais elles restent secondaires. Aux vitesses les plus élevées, la difficulté ne vient pas des adversaires : elle vient du circuit lui-même, qu'il faut connaître par cœur pour anticiper un virage qu'on ne voit pas encore.

Ce qui fait la réputation de la série, au-delà du pilotage, c'est l'ensemble esthétique : un design industriel épuré héritier du studio The Designers Republic, et une bande-son électronique qui accompagne l'accélération plutôt qu'elle ne la commente. Peu de jeux de course ont une identité visuelle aussi immédiatement reconnaissable.

La progression est copieuse, avec des campagnes sur plusieurs classes de vitesse. Comptez une quinzaine d'heures pour en faire le tour, et bien plus pour les classes supérieures — celles où le jeu devient réellement lui-même.

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Le classique PS1 qu'on a oublié

Sorti quelques mois après Metal Gear Solid, il en a payé le prix. Vingt-cinq ans plus tard, sa note reste parmi les plus hautes du Catalogue des Classiques.

Une organisation terroriste s'emple d'un virus baptisé Syphon Filter. L'agent Gabe Logan est chargé de la retrouver. Le scénario tient du thriller d'espionnage de son époque, avec des complots gouvernementaux, des trahisons et des laboratoires secrets.

Le jeu propose une approche différente de son illustre contemporain. Là où Metal Gear Solid imposait une vue de dessus et une infiltration stricte, Syphon Filter adopte une caméra à la troisième personne derrière l'épaule et laisse le choix : se cacher, ou assumer le combat. C'est, dans les faits, une préfiguration de ce que deviendront les jeux d'action-infiltration modernes.

Son arsenal a fait sa réputation, en partie pour de mauvaises raisons. Le taser, notamment, permet de maintenir la décharge jusqu'à ce que la cible s'enflamme — un détail que les joueurs de l'époque ont retenu, et qui dit assez le goût de la fin des années 1990 pour ce genre d'excès.

Ce qui a le mieux vieilli, ce sont les missions : compactes, variées, avec des objectifs clairs et des cartes conçues pour plusieurs approches. Un métro, un parc, une ambassade. On y retrouve une densité que les jeux d'action ont perdue en s'allongeant.

Ce qui a mal vieilli, en revanche, est la visée, rigide, et la caméra, qu'il faut apprivoiser. Une dizaine d'heures. C'est une curiosité historique autant qu'un bon jeu, et le genre de titre qu'on ne trouve nulle part ailleurs qu'au Catalogue des Classiques.

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Le meilleur FPS du Catalogue des Classiques

Un jeu de tir de 2002 signé par les anciens de GoldenEye, qui traverse les époques et se moque de tout. Il rappelle à quoi ressemblait le genre avant qu'il ne devienne un tunnel.

TimeSplitters 2 a été développé par Free Radical Design, un studio fondé par une partie de l'équipe de GoldenEye 007. La filiation s'entend immédiatement : dix niveaux traversant les époques, chacun confié à deux marines de l'espace lancés à la poursuite des TimeSplitters, une race extraterrestre qui manipule le temps.

Le principe de la campagne est son meilleur argument : chaque niveau est une époque et un pastiche. Un Chicago de 1932 en noir et blanc, une station sibérienne en 1990, un Far West, un Notre-Dame de 1895, une base martienne. Le jeu change de décor, de musique et de ton toutes les vingt minutes, et ne se prend jamais au sérieux.

Sa structure est celle d'un FPS de sa génération, aujourd'hui largement abandonnée : des niveaux ouverts avec des objectifs à remplir dans l'ordre que vous voulez, plusieurs itinéraires, et une difficulté qui ajoute des objectifs plutôt que des points de vie. On ne suit pas un couloir en écoutant un personnage parler ; on comprend une carte.

L'autre moitié du jeu est son mode arcade, considérable : des dizaines de personnages, des règles absurdes, un éditeur de cartes, et surtout un multijoueur en écran partagé qui reste l'un des plus fournis jamais livrés. C'est aussi ce qui explique que sa communauté ne l'ait jamais lâché.

Sept heures pour la campagne, et théoriquement sans fin pour le reste. Catalogue des Classiques, donc abonnement Premium.

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La pépite PS1 que personne ne réclame

Excellente note, presque personne pour en parler. Ape Escape est pourtant le premier jeu de l'histoire à exiger deux sticks analogiques — il a été pensé pour la manette qu'on utilise encore aujourd'hui.

L'argument tient en une phrase absurde : un singe nommé Specter acquiert une intelligence supérieure grâce à un casque expérimental, se découvre une méchanceté et envoie une armée de singes à travers le temps pour réécrire l'histoire. Spike part les rattraper avec un filet.

L'intérêt est ailleurs. Sorti en 1999, Ape Escape est le premier jeu à imposer la manette DualShock : impossible d'y jouer autrement. Le stick gauche déplace le personnage, le droit manipule les gadgets. Attraper un singe au filet demande un mouvement du stick droit ; le lasso, le planeur, la matraque, chacun a son geste propre.

Cette idée, radicale à l'époque, est devenue la norme absolue — tout jeu en trois dimensions fonctionne aujourd'hui à deux sticks. Y jouer maintenant, c'est voir la convention naître, avant qu'elle ne soit une convention.

Le jeu lui-même a très bien vieilli dans sa structure : des niveaux compacts, un objectif limpide (capturer tous les singes), chacun avec son comportement — certains fuient, d'autres attaquent, d'autres se cachent. C'est une collection de petites traques, plus proche d'un jeu de capture que d'un jeu de plateforme classique, et le rythme reste excellent.

Sept heures suffisent pour l'essentiel. Il est au Catalogue des Classiques, et c'est exactement le genre de titre qui justifie de fouiller cette partie du catalogue plutôt que de s'arrêter aux nouveautés.

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Le meilleur jeu de plateforme classique

En 2001, les jeux de plateforme 3D étaient découpés en niveaux séparés par des écrans de chargement. Celui-ci a fait tenir le monde entier d'une seule pièce, sur PlayStation 2.

Une planète lointaine dominée par les ruines d'une civilisation disparue, les Précurseurs, qui ont laissé derrière eux l'éco — une énergie déclinée en couleurs aux effets distincts. L'éco sombre, capable de déformer le vivant, est convoitée par Gol Acheron, qui envoie ses Lurkers en récolter. Après un accident, Daxter est transformé en créature hybride ; Jak part chercher le moyen de le rendre à sa forme humaine.

L'exploit technique est resté célèbre. Il n'y a aucun écran de chargement entre les zones : on passe d'un village de pêcheurs à une montagne enneigée en marchant, le monde se dévoilant continûment. Sur le matériel de l'époque, cela imposait un système de streaming que peu de studios maîtrisaient, et cela change la perception du lieu — on a le sentiment d'un territoire, non d'une succession de tableaux.

Le jeu lui-même est d'une lisibilité exemplaire. Jak court, saute, frappe, plane un peu ; il n'y a pas d'arbre de compétences ni d'améliorations à gérer. La progression se mesure en cellules d'énergie ramassées, qui ouvrent l'accès aux zones suivantes. Tout est immédiatement compréhensible, y compris pour un enfant, et rien ne se périme.

Le duo fonctionne aussi grâce à un choix d'écriture : Jak ne parle pas, Daxter parle tout le temps. Le commentaire sarcastique permanent donne son ton au jeu, et a directement influencé une génération de compagnons bavards.

Une dizaine d'heures pour l'histoire. Il est au Catalogue des Classiques, donc réservé aux abonnés Premium — et c'est l'un des meilleurs arguments de ce catalogue.

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Le plus grand bac à sable du catalogue

Un RPG médiéval qui refuse la magie, les elfes et les épées enchantées. À la place : la Bohême du XVe siècle, documentée, et un forgeron qui ne sait pas se battre.

Royaume de Bohême, début du XVe siècle. Le pays est livré au chaos, les envahisseurs pillent les campagnes. Henri de Skalitz, dont la famille a été massacrée, est devenu un homme de confiance du roi légitime. Il est envoyé escorter Sir Hans Capon en mission diplomatique ; l'embuscade qui suit lance l'aventure.

Ce qui distingue la série est son refus du fantastique. Il n'y a rien de surnaturel : les adversaires sont des hommes, les blessures s'infectent, et votre personnage doit manger et dormir. La nourriture pourrit dans votre sac. L'armure se salit et il faut la faire nettoyer, faute de quoi les gens vous traitent en vagabond.

Le combat applique la même logique et divise autant. Il repose sur des directions d'attaque, des parades à la fenêtre très courte et des enchaînements qui demandent un vrai apprentissage. Surtout, Henri commence incompétent : il tremble, il rate, il perd contre un paysan. La montée en puissance ne vient pas de points de statistiques mais du fait que vous, joueur, finissez par comprendre le système.

Le monde réagit avec une précision rare. Voler un objet devant témoin vous fait poursuivre ; être vu en sang près d'un cadavre suffit à vous accuser ; les gardes vous reconnaissent. L'ensemble produit des situations que le jeu n'a pas scriptées, ce qui en fait l'un des bacs à sable les plus crédibles du catalogue.

Il faut accepter l'inverse : c'est un jeu lourd, parfois rigide, et ses premières heures sont volontairement frustrantes. Comptez une cinquantaine d'heures pour la trame principale, bien davantage en prenant le temps.

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La meilleure vitrine technique PS5

Le tout premier Souls, reconstruit intégralement pour PS5. C'est à la fois une pièce d'histoire et la démonstration technique la plus convaincante de la console.

Demon's Souls est l'ancêtre. Sorti en 2009, c'est lui qui a posé la grammaire reprise ensuite par toute la série : un monde médiéval sombre envahi par un brouillard démoniaque, un chevalier mort puis ramené, des âmes récoltées sur les cadavres qui servent à la fois de monnaie et d'expérience — et que l'on perd en mourant, jusqu'à ce qu'on aille les rechercher là où l'on est tombé.

Sa structure diffère des Souls suivants. Là où Dark Souls propose un monde continu, Demon's Souls s'organise en cinq archipierres distinctes, chacune subdivisée en niveaux, reliées par un sanctuaire central. C'est plus lisible, plus cloisonné, et cela rend le jeu paradoxalement plus abordable pour un débutant : on peut abandonner un monde qui résiste et aller progresser ailleurs.

Il conserve en revanche sa mécanique la plus discutée, la tendance du monde : mourir répétitivement dans une zone l'assombrit, rendant les ennemis plus coriaces mais les récompenses meilleures. C'est un système obscur, mal expliqué, et typique de son époque.

La refonte de Bluepoint est le vrai argument. Tout a été refait — modèles, éclairage, son — sans toucher à la structure des niveaux ni à l'équilibrage. On joue exactement au jeu de 2009 dans une production de 2020, avec des temps de chargement quasi nuls qui changent réellement le rapport à la mort : recommencer ne coûte plus rien en attente.

Comptez une vingtaine d'heures pour en voir le bout, beaucoup plus si vous découvrez le genre. Exclusif PS5.

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La leçon de minimalisme du catalogue

Sept heures, aucun ennemi secondaire, aucun coffre, aucune ville. Un jeu construit par soustraction, et qui reste vingt ans plus tard une référence citée par tout le monde.

Un jeune homme porte le corps d'une femme dans un temple, au bout d'un pont, dans une terre interdite. Une voix lui propose un marché : détruire seize colosses dispersés dans le territoire, et elle reviendra peut-être à la vie. Le jeu ne dit pas davantage, et ne le dira jamais vraiment.

Entre les colosses, il n'y a rien. Pas de rencontres, pas d'objets à ramasser, pas de quêtes. Vous montez à cheval et vous traversez de vastes étendues vides, guidé par un rai de lumière reflété par votre épée. Ce vide n'est pas une économie de moyens : c'est ce qui donne leur poids aux seuls moments où il se passe quelque chose.

Chaque colosse est simultanément un boss et une énigme. Ce sont des créatures immenses qu'il faut escalader comme des structures mouvantes, en cherchant la prise, la fourrure où s'accrocher, le moment où la bête baisse la tête. La force n'y suffit jamais ; il faut comprendre comment la chose est faite.

Et le jeu rend ces mises à mort désagréables. Le colosse se débat, gémit, s'effondre lentement, et une substance noire vous frappe. Aucun d'entre eux ne vous avait attaqué avant que vous n'arriviez. Le jeu ne commente rien, il laisse seulement l'inconfort s'installer — c'est là que se logent sa réputation et son influence.

Sept heures pour les seize. La version disponible ici est la refonte de 2018, entièrement reconstruite graphiquement, avec les commandes d'origine que certains trouveront rétives. C'est aussi une bonne porte d'entrée si les jeux longs vous rebutent.

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Le meilleur remake du catalogue

La plupart des remakes rafraîchissent les textures. Celui-ci a reconstruit le jeu entier tout en préservant exactement ce qui faisait peur dans l'original.

L'intrigue est celle de 1998, inchangée. Raccoon City est ravagée par un virus ; deux personnages tentent d'en sortir. Leon Kennedy, policier à son premier jour de service, et Claire Redfield, venue chercher son frère. Chacun a sa campagne, ses rencontres et son itinéraire dans la ville.

Le changement le plus lourd est la caméra. L'original utilisait des plans fixes et des décors précalculés, avec une visée approximative qui faisait partie de la tension. Le remake passe à une vue à l'épaule, avec un tir précis. Sur le papier, cela devait rendre le jeu plus facile ; en pratique, voir l'ennemi arriver de face s'est révélé plus angoissant que de le deviner hors champ.

Le commissariat reste l'une des meilleures architectures de jeu vidéo. C'est un lieu fermé qu'on apprend par cœur, où chaque porte débloquée reconfigure les itinéraires, et dont on finit par connaître les raccourcis mieux que les personnages. Cette économie de l'espace — peu de lieux, beaucoup de passages — est ce que le survival horror a de plus singulier.

S'y ajoute un poursuivant qui vous traque dans le bâtiment de façon non scénarisée. Il ne peut pas être tué, seulement repoussé quelques minutes, et il entend le bruit de vos pas. Sa présence transforme la gestion d'inventaire, déjà serrée, en calcul permanent sous pression.

Environ dix heures par campagne, et les deux méritent d'être faites : les itinéraires se recoupent sans se répéter. Il figure au Catalogue des Classiques, donc réservé aux abonnés Premium.

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Le jeu le plus discuté du catalogue

Note de presse parmi les plus hautes du catalogue, réception publique orageuse. Cet écart n'est pas un accident : le jeu est construit pour le provoquer.

Cinq ans après le premier épisode, Ellie a dix-neuf ans et vit à Jackson, dans le Wyoming. Un acte de violence la pousse à partir pour Seattle, avec une idée fixe. Le jeu suit cette vengeance sans jamais la rendre satisfaisante — c'est son projet explicite.

Sa structure est son coup de force et sa cause de rejet. À mi-parcours, le jeu vous retire le personnage que vous suivez et vous place, pendant de longues heures, dans les bottes de quelqu'un que vous aviez toutes les raisons de détester. Il vous fait vivre ses journées, rencontrer ses proches, comprendre ses raisons. Beaucoup de joueurs ont vécu ce basculement comme une trahison ; c'est précisément l'effet visé.

Le jeu se veut inconfortable jusque dans ses mécaniques. Les ennemis humains s'appellent par leur prénom, crient quand un camarade tombe, et les chiens qu'il faut abattre ont un nom. Tuer reste efficace et satisfaisant à exécuter, et le jeu s'arrange pour que ce plaisir vous revienne en pleine figure. On peut trouver le procédé appuyé — plusieurs critiques l'ont écrit — mais il est assumé de bout en bout.

Sur le plan technique, c'est une démonstration : animations, éclairage, accessibilité (le jeu est cité comme référence du secteur sur ce point). Les affrontements sont aussi nettement plus ouverts que dans le premier épisode, avec de vrais espaces à contourner.

Une vingtaine d'heures, denses et éprouvantes. Ce n'est pas un jeu qu'on recommande à la légère, et si vous cherchez le confort du premier, mieux vaut le savoir avant de commencer.

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Le jeu le plus exigeant du catalogue

Un action-RPG qui prend la formule Souls et en retire le bouclier. Ce seul retrait change tout, et explique pourquoi il reste à part dans le catalogue.

Bloodborne est l'unique épisode de sa série, sans suite ni prédécesseur, accompagné d'une seule extension. Il partage l'essentiel de sa grammaire avec Dark Souls — mêmes développeurs, même structure de raccourcis et de feux de camp, même rapport à la mort — mais en déplace radicalement le centre de gravité.

Le bouclier disparaît. À la place, une arme à feu qui sert non pas à tirer de loin mais à interrompre une attaque au bon moment, ouvrant une riposte dévastatrice. Et surtout : les dégâts encaissés peuvent être récupérés si vous frappez l'adversaire dans les secondes qui suivent. Le jeu ne récompense pas la prudence, il la punit. Reculer, c'est perdre sa santé pour de bon.

Ce système transforme la sensation de jeu. Là où un Souls classique s'apprend en patientant, Bloodborne s'apprend en avançant, ce qui heurte frontalement les réflexes acquis ailleurs. Les premières heures sont brutales pour cette raison précise.

L'univers accompagne ce parti pris : Yharnam, ville gothique rongée par une maladie qui transforme ses habitants en bêtes, glisse progressivement du roman victorien vers l'horreur cosmique. Le jeu ne l'explique presque jamais — la compréhension passe par les descriptions d'objets et l'architecture, ce qui exaspère autant que ça fascine.

Comptez une trentaine d'heures, davantage si vous explorez les Donjons du Calice. Ce n'est pas un jeu difficile par accumulation d'ennemis, mais par la nécessité de désapprendre. Si vous avez abandonné un Souls par manque de patience, celui-ci peut paradoxalement mieux vous convenir.

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Le meilleur jeu du Catalogue des Classiques

Douze ans après sa sortie, il reste la meilleure note du Catalogue des Classiques. Non pour sa technique, largement dépassée, mais pour ce qu'il a prouvé qu'un jeu pouvait raconter.

Amérique, 2033. Vingt ans plus tôt, un champignon du genre Cordyceps a franchi la barrière des espèces et transformé ses hôtes humains en créatures agressives. Joel, contrebandier endurci, accepte une livraison de plus : conduire Ellie, quatorze ans, hors de la zone de quarantaine. Elle est immune.

Le dispositif est classique — un adulte fermé, une enfant à protéger, une route — et le jeu ne cherche pas à le dissimuler. Sa réussite est ailleurs : dans la façon dont la relation se construit par petites touches, souvent en dehors des séquences scénarisées. Une remarque lancée en marchant, un silence après une scène de violence, une blague qui tombe mal. Naughty Dog avait compris avant beaucoup d'autres que le trajet compte davantage que les rebondissements.

Le jeu est aussi remarquablement avare. Les munitions manquent, les affrontements sont brefs et sales, et la furtivité n'est pas un style de jeu élégant mais un pis-aller. Cette pénurie constante fait de chaque rencontre une décision : contourner, ou dépenser ce qu'il vous reste.

Il faut signaler ce que l'âge a fait : les schémas de niveaux sont étroits, l'intelligence des ennemis est datée, et certains passages de combat ont mal vieilli. Ce sont les limites d'un jeu de 2013, remis à niveau graphiquement mais pas repensé.

Une quinzaine d'heures suffisent pour le terminer. C'est le genre de durée qui convient à ce qu'il veut faire, et il s'arrête exactement quand il faut — sa dernière scène est d'ailleurs l'une des plus discutées du médium.

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Le jeu le plus plébiscité du catalogue

C'est à la fois la meilleure note de presse du catalogue et l'une des plus hautes notes de joueurs, sur des centaines de milliers d'avis. Rare consensus, qui mérite qu'on explique d'où il vient.

Amérique, 1899. L'époque des hors-la-loi s'achève, les marshals traquent les dernières bandes. Après un braquage qui tourne mal à Blackwater, Arthur Morgan et le gang Van der Linde prennent la fuite, poursuivis par des agents fédéraux et les meilleurs chasseurs de primes du pays.

Le récit ne raconte pas une conquête mais une fin. Le gang fuit vers l'ouest en sachant confusément qu'il n'y a plus d'ouest où aller : les villes se structurent, les trains quadrillent le territoire, le monde dont ces gens vivaient se referme. Arthur Morgan, exécutant loyal, devient progressivement le témoin lucide de cette dissolution.

Techniquement, ce qui frappe est la densité du monde. Les habitants d'une ville ont des occupations qui changent selon l'heure, la météo altère le terrain, votre cheval doit être nourri et gagne en confiance, votre barbe pousse. Aucun de ces détails n'est nécessaire au jeu ; leur accumulation produit une impression de lieu habité que peu de productions atteignent.

Ce parti pris a un revers, qu'il faut annoncer : le jeu est lent. Les déplacements prennent du temps, les animations d'interaction sont longues, ramasser un objet est un geste complet. C'est cohérent avec le propos, mais si vous cherchez un rythme nerveux, vous serez contrarié dès la première heure.

Comptez une cinquantaine d'heures pour l'intrigue principale, largement le double si vous laissez le monde vous distraire — ce qu'il fait constamment, et c'est tout l'intérêt.

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Le meilleur JRPG du catalogue

Le plus long jeu du catalogue est aussi l'un des mieux notés. Persona 5 Royal demande une centaine d'heures et passe son temps à vous donner envie de lui en accorder davantage.

Persona 5 Royal mène deux jeux de front. Le jour, vous êtes un lycéen à Tokyo : vous allez en cours, travaillez à mi-temps, entretenez des amitiés, révisez pour les examens. La nuit et dans les interstices, vous infiltrez les Palais — des univers mentaux nés des désirs déformés d'adultes corrompus — pour y voler le trésor qui les maintient.

Ces deux moitiés ne sont pas juxtaposées, elles se nourrissent. Les liens tissés en ville débloquent des capacités en combat ; les statistiques sociales que vous développez ouvrent des dialogues et des options ailleurs. Chaque journée est un arbitrage : le temps est compté, et choisir de voir quelqu'un signifie renoncer à autre chose.

Le système de combat repose sur les faiblesses élémentaires. Toucher le point faible d'un ennemi vous offre un tour supplémentaire ; renverser tout un groupe déclenche une attaque collective. Le tout est habillé d'une direction artistique rouge et noire, tranchante, qui fait de chaque menu une petite démonstration de style — c'est l'un des rares jeux dont on cite l'interface comme argument.

Royal est la version augmentée du jeu de 2016 : un troisième trimestre inédit, un nouveau personnage central, des zones et des mécaniques supplémentaires. Ce n'est pas un simple lifting, c'est une centaine d'heures dont une partie substantielle n'existait pas auparavant.

C'est le genre de jeu qui occupe un hiver entier. Si vous hésitez à vous engager, sachez que sa note joueurs sur le PlayStation Store est l'une des plus hautes de tout le catalogue — la durée n'a visiblement découragé personne.

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À jouer avant qu'il ne quitte le catalogue

Un jeu de tactique en temps réel dans un Ouest américain impitoyable, où chaque embuscade est une énigme à démonter. Il est signalé comme bientôt retiré du catalogue : c'est le moment.

Desperados III n'est pas un jeu de stratégie où l'on commande une armée. Vous dirigez cinq personnages, pas un de plus, face à des dizaines d'ennemis qui vous repèrent en quelques secondes si vous êtes vu. L'affrontement direct est presque toujours une défaite.

Chaque mission est donc construite comme un casse-tête. Vous observez les cônes de vision des gardes, leurs rondes, les moments où deux d'entre eux se tournent le dos. Puis vous exploitez les spécialités de votre équipe : le pistolero qui abat deux cibles d'un même tir, la femme qui distrait un garde le temps qu'un autre l'assomme, le trappeur et son piège à ours, le vieux docteur et sa mallette empoisonnée.

L'outil qui rend tout cela jouable s'appelle le mode Showdown : il fige l'action pour vous permettre de planifier plusieurs gestes simultanés, puis de les déclencher d'un coup. Neutraliser trois gardes exactement au même instant, parce qu'aucun ne peut être assommé seul sans que les autres le voient, est une sensation que peu de jeux procurent.

Le scénario suit une bande dépareillée dans les États-Unis et le Mexique des années 1870, lancée sur les traces d'un ennemi commun. Il remplit surtout son office : donner un prétexte et un ton à des missions très vastes, souvent rejouables de plusieurs manières radicalement différentes.

Comptez près de trente heures pour la campagne. Le jeu apparaît dans la catégorie « derniers jours pour jouer » du PlayStation Store, ce qui signifie qu'il quittera bientôt le catalogue — Sony n'en communique pas la date exacte. Si le genre vous tente, ne remettez pas à trop tard.

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Le meilleur jeu de réflexion du catalogue

Vous héritez d'un manoir de quarante-cinq pièces, à condition d'en trouver une quarante-sixième qui n'apparaît sur aucun plan. Et chaque jour, la maison entière se réorganise.

Blue Prince part d'une idée que personne n'avait vraiment exploitée : c'est vous qui construisez le bâtiment que vous explorez. Devant chaque porte fermée, le jeu vous propose plusieurs pièces possibles ; vous en choisissez une, elle se matérialise, et votre plan se dessine au fur et à mesure de vos décisions.

Chaque pièce a ses règles. Certaines ouvrent plusieurs portes, d'autres sont des culs-de-sac. Certaines fournissent des clés, des pas supplémentaires, de l'argent. Poser une pièce riche en sorties trop tôt, ou une impasse au mauvais endroit, peut condamner toute une journée d'exploration. Le tirage introduit du hasard, mais l'essentiel du jeu consiste à le dompter.

Car à la fin de la journée, tout est remis à plat. Le manoir reprend sa configuration initiale et vous recommencez depuis l'entrée. Ce qui persiste, en revanche, c'est ce que vous avez compris : les documents lus, les mécanismes repérés, les codes notés sur un carnet — le vôtre, en l'occurrence, car le jeu attend réellement que vous preniez des notes.

C'est là que Blue Prince se sépare des autres jeux de réflexion. La progression n'est pas dans un arbre de compétences, elle est dans votre tête. Une énigme résolue le reste définitivement, parce que la solution est une connaissance et non un objet. Beaucoup de joueurs décrivent le moment où une information apparemment décorative, croisée dix parties plus tôt, devient soudain la clé de tout.

Prévoyez une vingtaine d'heures pour atteindre la fameuse pièce 46 — et sensiblement davantage si vous voulez comprendre ce que le manoir cache vraiment.

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Le meilleur jeu de plateforme indé

Un jeu de plateforme exigeant où l'on meurt des centaines de fois, et qui parle en réalité d'anxiété et de doute de soi. Celeste réussit les deux, sans que l'un n'affaiblisse l'autre.

Sur le papier, Celeste est un jeu de plateforme en deux dimensions : Madeline escalade une montagne à travers plus de cinq cents tableaux répartis en huit zones. Elle peut s'agripper à n'importe quelle paroi et effectuer une ruée dans les airs. Deux verbes, pas davantage — et toute la difficulté vient de leur combinaison.

Le jeu est dur, et il l'assume. Vous mourrez beaucoup. Mais la réapparition est instantanée et le tableau recommence exactement où il s'était interrompu : on ne perd jamais plus de trois secondes. Cette boucle très courte transforme l'échec en apprentissage plutôt qu'en punition, et c'est probablement la leçon de game design la plus citée du jeu.

En parallèle, Celeste raconte l'histoire de Madeline confrontée à son propre reflet, littéralement : une version d'elle-même la poursuit et la contredit. L'ascension devient la métaphore d'un combat intérieur contre l'anxiété. C'est fait sans lourdeur, en quelques dialogues bien écrits, et la montagne finit par signifier ce qu'elle doit signifier sans que personne ait besoin de l'expliquer.

Pour ceux qui veulent aller plus loin, chaque zone cache une version remixée nettement plus exigeante, et des faces B conçues pour les joueurs qui maîtrisent déjà tout. Le jeu propose aussi un mode d'assistance qui permet de ralentir le temps ou de rendre la ruée infinie : la difficulté est un choix, jamais une barrière.

Comptez environ huit heures pour l'histoire principale, beaucoup plus si vous voulez tout décrocher.

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Un indé court et exceptionnel

Sept heures pour en voir le bout, une réalisation volontairement rudimentaire, et l'une des meilleures notes indé du catalogue. Undertale ne ressemble à rien d'autre, et ce n'est pas un slogan.

Le point de départ tient en deux lignes. Humains et monstres se sont fait la guerre ; les humains l'ont emporté et ont scellé les monstres sous terre. Longtemps après, un enfant tombe dans la montagne Ebott et doit remonter. Vous êtes cet enfant.

Undertale emprunte les codes du RPG classique — exploration, rencontres, points d'expérience — mais en détourne le cœur. Les combats se jouent comme des mini-jeux de tir façon bullet hell, où vous esquivez les attaques adverses dans une petite boîte. Surtout, chaque affrontement offre une alternative : frapper, ou épargner. Discuter, flatter, fuir, comprendre ce que veut vraiment la créature en face.

Ce choix n'est pas décoratif. Le jeu retient ce que vous faites. Les monstres réagissent, les personnages changent de comportement, et le récit diverge selon que vous avez traversé le monde en tuant tout ou en n'éliminant personne. Certaines rencontres deviennent radicalement différentes — parfois beaucoup plus difficiles — parce que vous avez décidé d'épargner.

C'est l'œuvre d'un seul homme, Toby Fox, qui en a écrit le scénario, le code et la musique. Cette bande-son est d'ailleurs devenue célèbre à elle seule, et une bonne partie de la réputation du jeu tient à la façon dont elle accompagne chaque personnage.

Sept heures, c'est court, et c'est délibéré : Undertale ne s'étire jamais. Si vous cherchez un jeu qui se termine en un week-end et dont vous parlerez encore dans six mois, il est difficile de faire mieux dans le catalogue.

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Le meilleur jeu de combat du catalogue

Sorti en arcade en 1997 puis sur la première PlayStation, TEKKEN 3 reste, près de trente ans plus tard, la meilleure note de combat de tout le catalogue PS Plus. Voici pourquoi il tient encore.

TEKKEN 3 est le troisième épisode de la série de combat de Namco, et celui qui a fixé sa formule pour les deux décennies suivantes. C'est ici qu'apparaissent Jin Kazama, Ling Xiaoyu, Hwoarang ou Julia Chang — des visages devenus incontournables —, dans un casting de vingt-trois personnages qui renouvelait presque entièrement celui des deux premiers volets.

Ce qui le distingue techniquement, c'est le passage à un déplacement réellement tridimensionnel : on peut esquiver latéralement, sortir de l'axe de l'adversaire, contourner une attaque au lieu de simplement reculer. Cela paraît anodin aujourd'hui parce que tous les jeux de combat 3D l'ont adopté depuis ; à l'époque, c'était le changement qui rendait les deux épisodes précédents datés du jour au lendemain.

Le contenu annexe explique aussi sa réputation. Le mode Tekken Force transforme le jeu en beat'em up à défilement, et le Tekken Ball — un volley-ball où l'on frappe la balle avec les coups du jeu — reste l'un des modes bonus les plus absurdes et les plus réussis du genre. Vendu à plus de 8,5 millions d'exemplaires, c'est le deuxième jeu de combat le plus vendu de l'histoire.

La durée affichée ci-dessus mérite une explication : moins de deux heures, c'est le temps nécessaire pour boucler le mode arcade une fois. Ce n'est évidemment pas la mesure d'un jeu de combat, qui se joue en dizaines d'heures d'entraînement ou à deux sur le canapé. C'est un rappel utile que la durée de vie ne veut pas dire la même chose selon les genres.

Il figure au Catalogue des Classiques, donc réservé aux abonnés Premium. Si vous n'avez jamais touché à un Tekken, c'est le point d'entrée idéal : plus lisible que les épisodes récents, et toujours aussi net dans ses sensations.

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